Rauschenberg (1925-2008) representante del neodadaísmo, expresionismo, pop-art? Es difícil clasificar a un artista como Rauschenberg que fue un hombre controvertido pero sobre todo fue innovador. Rauschenberg fue un colorista como Matisse, un artista infinitamente sensible a los matices de la realidad, como Van Gogh. fue arriesgado, habilidoso y le gustaba experiementar, era capaz de transformar en arte cualquier objeto de la basura. Hoy en día cuando vemos alguna obra de arte que nos epata seguramente que ya la hizo Rauschenberg.

Estudió en el Black Mountain con Josef Albers que intentó inculcarle disciplina y como juntar los colores. Rauschenberg aprendió mucho con el pero se dedicó toda su vida a hacer lo contrario de sus enseñanzas.

El Museo Guggenheim Bilbao rinde un homenaje póstumo al artista estadounidense Robert Rauschenberg, fallecido en mayo de 2008, con una exposición de 60 obras de su serie ‘Gluts’, que supone su regreso al centro de arte vizcaíno 11 años después de su retrospectiva.

Comenzó la serie ‘Gluts’ (’Excesos’) a mediados de la década de 1980 al quedar impresionado por el abandono de objetos de consumo, desde coches a barriles, y el cierre de negocios en ese estado de EEUU debido a una crisis de la industria petrolera.

Entonces, Rauschenberg comenzó a recuperar chatarra y material de desguace para transformarlos en relieves murales y esculturas, que exhibió por primera vez en 1986 en Nueva York.

La muestra estará hasta el 12 de septiembre

Maurizio Lanzillotta tiene una larga trayectoria como artista, es un buscador incansable, busca nuevas técnicas, nuevas sensaciones pero su estilo permanece. El  misterio, la duda de sus cuadros, podríamos decir que nunca desaparece la neblina. Veremos qué nos muestra en esta nueva exposición. En cualquier caso será un placer ver su obra y con toda seguridad concluir que sigue siendo un gran artista.

El jueves 28 de enero a las 20.00 horas tiene lugar la inauguración en:

Galería Tercer Espacio
c/ San Pedro, 1
28014 Madrid
T: 91 369 49 57

La exposición de la artista Natividad Navalón en el IVAM de Valencia “La maleta de mi madre” nos parece una reflexión sobre la vida que no podemos perdernos.

La muestra, esta conformada por cinco instalaciones recientes e inéditas que giran en torno a la poética de la transmisión de valores entre madres e hijas. “La maleta de mi madre” está concebida como un recorrido por los ciclos de la mujer en la misión de transmitir el legado de su paso por la vida.

Toda la exposición se articula como una pieza teatral que se despliega de la niñez a la pubertad, de la llegada a la vida adulta a la separación y por último a la pérdida de la madre. La narración, plagada de referencias literarias a autoras como Elena Poniatowska, Soledad Puértolas, Lisa See o Amy Than, evoca la voz de la hija que un día se convierte en madre, toma su relevo y adquiere la responsabilidad de transmitir de nuevo el legado a sus descendientes.

En la instalación El sueño de vivir estamos rodeados de objetos de la madre que transmiten bienestar intenso, calor, seguridad y confianza. En el arte, el pelo se utiliza a menudo como símbolo de familiaridad y feminidad. En la obra de Navalón Sentir el calor de mi morada unos cabellos largos de mujer salen de debajo de la almohada y se encuentran encima de la enorme cama blanca y llana de la madre.

Por tanto, los primeros años de vida de una niña son los más importantes para el desarrollo hacia la mujer. A las niñas que se van haciendo grandes les gusta rodearse de objetos y ropa de su madre.

Con su escultura Buscando esa mujer hay un bolso sobredimensionado en medio de la sala. Una niña con falda corta mete la cabeza en éste para registrar su contenido, según parece. Así, a través de la búsqueda de añoranzas y deseos sin cumplir, se sumerge en la personalidad de la madre y se identifica con ella. En la investigación de la relación entre madre e hija, ésta última todavía tiene un papel secundario en esta obra. Solamente en De madres a hijas la madre y la hija son iguales.
La instalación De madres a hijas muestra veintiocho sillas grandes de metal dispuestas en parejas enfrentadas. Sobre cada par de ellas hay un extenso lienzo blanco que las une y que llega hasta el suelo. El paño puede representar un cordón umbilical sin cortar, o su ruptura cuando ha caído. La niña se ha hecho mayor y está sentada frente a su madre, a la misma altura que sus ojos, en una posición que expresa un diálogo o una confrontación. El enfrentamiento simboliza la igualdad de madre e hija.
La instalación La maleta de mi madre consiste en doce maletas de bronce y fieltro, que están colocadas contra la pared. En la pared se puede leer lo siguiente:

“Recuerdos, indecisiones, sueños y fracasos, consejos, presencias, deseos, ilusiones, dudas y naufragios, la tristeza, ?mamá, ¿ésa, dónde la pongo?’. Ahora, sola, ya no era una hija, ahora solo era una madre, tenía que pasar el legado que todas las madres tienen el privilegio de transmitir a sus hijas.”
Las maletas contienen simbólicamente todo lo que integra la madre: la ropa, el olor, el recuerdo de tiempos pasados y el deseo de volver a tenerlo todo en mente. La vida se entiende como una transición en la que la niña experimenta todas las fases de la madre y en la que junto a la maleta se hace cargo también del papel activo de ella.

La escultura Tiempo de arroz y sal se compone de una barca de plomo, de aproximadamente catorce metros de largo y nueve metros de ancho, lleno de toallas blancas enrolladas. La barca simboliza la partida y cambiar de vida. Las toallas representan pureza, inocencia, virginidad, tradición y limpieza. La joven se encamina al futuro, y repite, a su propia manera, el ciclo vital de la madre. Ahora sigue el camino sola; ya no tiene la madre enfrente. Se ha realizado la independización. La barca simboliza la despedida y la transición hacia una nueva vida.
Navalón termina su viaje por la vida de una mujer con la instalación El paso del legado. Esta obra se compone de siete láminas de agua, azul oscuro, de diez centímetros de profundidad, y quince metros de largo cada una. En un extremo de cada lámina hay una banqueta blanca sobre la cual ha sido colocada una toalla también blanca. La madre ha desaparecido en el agua, dejando sumir, para siempre, su cuerpo en la naturaleza. La madre ya no está. Una meditada y silenciosa atmósfera llena la instalación y la sala. Situada en un extremo vemos la escultura en fibra de vidrio de una niña intentando introducirse en la pared. Un nuevo ciclo vital está a punto de empezar con nuevas madres e hijas.

En el arte, el agua representa el transcurso de la vida que desemboca en la muerte, tal como el río en el mar. El agua expresa la esperanza de una muerte en paz, cuando la ola apacible se mueve imperceptiblemente de una vida a la otra.

El alma sobrevive a todos los ciclos y procesos, vive en nosotros sin ningún esfuerzo por nuestra parte. La llevamos dentro de nosotros, rodeados de la infinidad de la existencia.

Esperamos que os guste.

Lugar: IVAM

Fechas: del 18/12/2009 al 21/02/2010

El viernes, 11 de diciembre, a las 11.00 horas se inaugura en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares, la exposición de Pintura y Escultura Arte Español Contemporáneo por los Derechos Humanos, organizada por Carta Mediterránea y el Ministerio de Cultura y con el Departamento de Justicia y Administración Pública del Gobierno Vasco.

Una vez concluya la exposición en Alcalá de Henares, el 29 de enero de 2010, se trasladará al País Vasco.

Esta ha sido una iniciativa de Carta mediterránea en su línea de apoyar la convivencia, la cultura, el compromiso y está comisariada por Paco Cruz de Castro.

En la exposición participan pintores y escultores como Chillida, Oteyza, Ibarrola, Echevarría, Alexanco, Casanova, Nicolau, Lavín, Fombrum, Freixanes o Ceballos, entre otros. Las obras serán expuestas en el Claustro del Rectorado de la Universidad y en el Parador de Turismo que ha sido recientemente inaugurado, ya que has sido centro penitenciario y anteriormente convento de los dominicos de Santo Tomás.

La Muestra va acompañada de la edición del libro “Pinceles y cinceles por la Libertad. Arte y compromiso”, que recoge una reproducción de las obras de 39 artistas, una reseña bibliográfica y una serie de textos alusivos a la relación entre el Arte y los Derechos Humanos que es prologado por Antonio Bonet Correa, Director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Cuándo: 11 de diciembre de 2009, a las 11.00 horas

Dónde: Paraninfo de la Universidad de Alcalá
Colegio de San Ildefonso
Plaza de San Diego, s/n
Alcalá de Henares. Madrid

Galería Múltiple muestra desde el pasado  17 de septiembre una selección de obra gráfica del artista vasco José luís Zumeta realizada durante los últimos diez años. El universo plástico de Zumeta está presente en esta exposición a través de obras repletas de luminosidad y color, que transmiten una gran fuerza expresiva. Zumeta es un experto en manejar el color, establece un dialogo con el lienzo donde va poniendo y quitando color y aunque seguramente tiene una idea de lo que quiere el cuadro va adquiriendo forma en el proceso de elaboración.

Soto Mesa realiza en la Galería Tercer Espacio su veintiséis exposición personal, que estará abierta desde el 24 de septiembre hasta el 21 de noviembre de 2009. Con este motivo se ha editado un catálogo con texto-presentación de Fernando Castro Flórez y reproducción de toda la obra realizada (veinticuatro cuadros) desde su anterior exposición en esta misma Galería, ahora hace dos años.

El autor de la presentación de este catálogo pone el acento en los contrastados atributos de la obra de este artista, valores que ya han sido puestos en evidencia por otros autores, como son su “preocupación constante por la matización y el misterio,  por la factura, por el silencio que se materializa en sus composiciones, por su maestría con el color. Por el desconcierto que nos provoca su dialéctica fondo-figura en la que el fondo no sea fondo pero a la vez aloje a la figura, esa imposibilidad de penetrar ahí, pensando que podemos hacerlo, constatando el interés del artista en que su pintura no parezca nada pero que sea”.

Inauguración jueves 24 de septiembre a las 20.00

Galería Tercer Espacio
c/ San Pedro, 1
28014 Madrid

Jose Luís Zumeta nace en Usúrbil (Guipúzcoa) en 1939 y desde los 15 años lleva pintando, así que tiene un largo recorrido como pintor. Yo lo descubrí hará 10 ó 15 años y desde el primer momento me gustó, pues bien este verano hemos tenido ocasión de visitar su estudio en Atallu (Navarra) y debo confesar que me sigue gustando mucho. No voy a justificar aquí su calidad como pintor porque creo que toda su obra de más de 50 años pintando lo avalan, pero si me gustaría hablaros de las sensaciones que tuve en su estudio junto a él y junto a su pintura y creo que son lo mismo. Zumeta pinta para expresarse y sus cuadros son una prolongación de si mismo. Hay  lucha con el cuadro en su búsqueda, hay impotencia pero ya no vi urgencia, esa urgencia de cuando pintaba sobre cartones porque no tenía tiempo de preparar los lienzos y con temple para que secase antes. Pero siguen estando llenos de formas, de color, de misterio y de vida, como su apetencia creadora.

Queremos comunicaros que Lola Fonseca a partir del 3 de septiembre, abre tienda en la calle Cervantes 20 en Madrid, el horario es de 11.00 a 14.30 y de 17.00 a 20.30. Encontraréis prendas pintadas en seda como chales, abanicos etc y también clases de pintura en seda y también diseño y producción de regalo institucional y de empresa.
El teléfono de la tienda es 91 369 15 43, y la dirección de correo, lolafonseca@gmail.com.

A partir del 4 de septiembre y hasta final de mes, en la Galería Artes de Ávila podremos disfrutar de nuevo con la pintura de Martina Dasnoy, pintura colorista, alegre, divertida pero al mismo tiempo elaborada, sentida. Es reflejo de su vida llena de curiosidad, de entusiasmo y de dedicación. Les recomendamos pasear la exposición una y otra vez, entrar en la profundidad de los cuadros y seguir sus vericuetos, habrá sorpresas y sobre todo mucho disfrute de buen arte.

Ya hace unos años que Laura Pardo inició su carrera como diseñadora de bisutería artesanal, lo que empezó como un hobby se ha convertido en una forma de vida con sello propio.

Esta joven catalana observa lo que se mueve a su alrededor, colecciona ideas y las combina con las últimas tendencias para que sus manos puedan transformarlas en originales y exclusivos complementos. La inspiración en Barcelona, su ciudad natal, se plasma en los rosetones de estilo románico o en la formas que elabora que nos trasladan a las época del maravilloso arte románico o gótico.

Sus nueve colecciones (Kilim, Cordoba, Romanico I, Romanico II, Cristine, Marta, México, Guayana, Maldivas,  Mary ) todas diferentes y únicas, se las disputan ya las tiendas más trendy de la ciudad Condal ¿Sus piezas estrella? Los collares elaborados con ganchillo, y los pendientes de crochet y guipur. Los complementos realizados con cristal tallado o swaroskis son irresistibles

Os lo aseguro, ninguna de sus piezas hechas a mano y personalizadas os dejarán indiferentes y desearéis lucirlas de día y de noche. Marcaréis la diferencia con bisutería artesana y de calidad.